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MOANA: INNOVACIÓN Y TRADICIÓN EN UN MISMO FILME

Por AnimationFan

Por AnimationFan

4 min. de lectura

 

Tras ser uno de los mayores éxitos en la historia del cine de animación, Frozen (2013) se volvió un estándar de excelencia para la casa productora de Disney, en un departamento tan popular de su franquicia como lo son las princesas. Tras recolectar más de un billón de dólares a nivel mundial y recibir luz verde tanto para un musical de Broadway como para una secuela cinematográfica, las siguientes producciones originales estuvieron sometidas a un intenso escrutinio por parte de los críticos: una recesión creativa como consecuencia natural parecía lo más probable.

No obstante, Zootopia (2016) demostró de forma sólida que esta productora continuaría desarrollando filmes capaces de captar, impactar y conmover a diversas generaciones. Pero, ante una sociedad que aún no está muy segura de cómo interpretar la construcción de la figura femenina en los medios de entretenimiento, ¿la nueva princesa de Disney, Moana, será capaz de sorprender y responder a las exigencias que la delimitan sin sacrificar su esencia?

La respuesta, nos atrevemos a decir –aun considerando que no superará a su predecesora en el sector económico –, es sí. Moana es la prueba de que aún se mantiene vivo el concepto de plussing instaurado por su fundador como pilar de todos sus proyectos: siempre se puede seguir mejorando.

 

Reinterpretando narrativas clásicas

Aun cuando es infinita la capacidad creativa al originar una historia, es indudable que ciertas estructuras prediseñadas continúan siendo vigentes, pues condensan los focos de interés de una narrativa exitosa como la ruptura de lo cotidiano, la misión instaurada por la necesidad o el conflicto que reta al protagonista a cambiar su visión.

El guión de Moana, a cargo del veterano dúo formado por Jon Musker y Ron Clements (The Little Mermaid, 1989/ Aladdin, 1992), retoma este viaje de autoconocimiento casi de forma literal pero configurándolo de tal forma que se siente nuevo a los moldes anteriores. El contexto geográfico de Oceanía, es una de las pautas que permite este cambio en la percepción del público.

La trama del filme versa sobre la travesía de una joven que busca restaurar el equilibrio de su isla con la ayuda de un Semi-dios de nombre Maui. En este viaje descubrirá la razón por la que sus ancestros abandonaran su tradición y se asentaran en una comunidad. No parece prometer nada innovador, pero el notable reemplazo de una interacción amorosa como sub-eje significó un enriquecimiento de aspectos obviados en los protagonistas. 

 

Innovación tecnológica en busca del realismo deseado

Las plataformas empleadas en esta cinta fueron reestructuradas para estar a la altura de la visión de los directores. Tras tener el antecedente de la animación de líquidos en dos dimensiones, lo siguiente era traspasar sus conocimientos –y actualizarlos ante el desarrollo tecnológico que ofrece Disney– a un producto en 3D.

El resultado de esta primera transición fue el software bautizado como “Splash”, que se encarga de replicar con fidelidad el comportamiento del agua al interactuar con cuerpos ajenos, mientras reduce el espacio de almacenaje dentro de los equipos utilizados.

A su vez, retomando los logaritmos empleados en “Hyperion” para la reflexión de la luz –como se explotó en Big Hero 6 –, este programa dota al mar de una naturalidad sutil y una personalidad creíble para el espectador; especialmente cuando interactúa con los personajes. Para una producción en la que el océano juega un papel principal, era imposible no invertir la mayor cantidad de recursos para hacer de su percepción una verdadera sorpresa.

Aunado a ello, se originó un aditamento denominado “Quicksilver” para realzar el realismo del cabello que se tenía hasta el momento. Al ser un aspecto cultural imperante que sale de sus estándares de belleza, este filme procuró, no sólo mostrar melenas gruesas, rizadas y con una respuesta natural a la exposición constante al sol, sino que se volvieron maleables para representar la psique de sus personajes, volviéndolos menos acartonados y más expresivos. El cabello posee una autenticidad tangible superior a filmes anteriores.

 

El 2D aún tiene mucho que dar

La falta de exponentes de la técnica tradicional de animación en lo últimos años es alarmante; especialmente cuando los animadores independientes han demostrado que sus límites pueden superarse. Moana, pese a esto, es uno de estos casos particulares en los que el alcance del 2D vuelve a sorprendernos.

La inclusión de un elemento como “mini-Maui” en la cinta claramente cumple con ser un alivio cómico en general y como una introspección a la consciencia de su contraparte en relieve; pero en sí mismo representa que el uso de la animación tradicional no es excluyente a las nuevas tecnologías. No es un proceso de elegir entre las dos, sino de idear cómo aprovechar las virtudes de cada una en su máxima expresión para que el producto se enriquezca al final.

Lo impactante del personaje es que su gestación se mantuvo hasta el último momento en hojas de papel y, aun cuando se le dio un tratamiento al introducirlo a la plataforma digital para evitar su deformación al estirarse la piel que lo contiene, sus interacciones se mantuvieron íntegras. Esto habría perdido su cualidad orgánica si se hubiera generado totalmente en computadora y el efecto final se habría visto comprometido. 

Moana es una cinta disfrutable y que querrás ver en más de una ocasión para no perderte los detalles. Su estructura atrae el gusto estético por sus vibrantes colores y la exuberancia de elementos que construyen un ambiente tropical; pero sobre todo, atestigua que la innovación va de la mano con el retorno a las raíces de esta forma de arte. 

Desde el pasado 2 de diciembre Moana está disponible en los cines de todo el país. No te pierdas la oportunidad de verla y de comprobar por qué el cine de animación sigue siendo una opción real del entretenimiento.

 
 
 
 
 

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Referencias:

  • http://www.cbr.com/how-moana-preserves-disneys-tradition-of-hand-drawn-animation/
  • https://redshift.autodesk.com/moana-animation/
  • http://www.cinemablend.com/news/1553760/the-amazing-effects-system-disney-had-to-invent-in-order-to-pull-off-moanas-ocean-scenes
  • http://www.theshorthorn.com/news/q-a-with-disney-s-moana-animation-supervisor-reveals-creative/article_aea9e2d8-9bc7-11e6-90ab-ff70af31b130.html

ANGRY BIRDS

Por AnimationFan

Por AnimationFan

3 min. de lectura

 

Tras un año de espera (para algunos), Angry Birds llegó este 13 de mayo a los cines de nuestro país. Pero, antes de comenzar una aproximación al filme debemos considerar brevemente un poco de sus antecedentes para poder responder como es que, formando parte de uno de los éxitos más importantes del entretenimiento portátil, ¿nos encontramos con tan pocas expectativas si los mismos trailers defienden un producto de calidad aceptable a nivel animación? 

La respuesta a esto recae en que: hasta el momento, aunque puedan evaluarse como ideas millonarias en su concepción, el videojuego traducido al cine ha dejado mucho que desear. Y, a su vez, esto se debe a algo tan incongruente como su mismo éxito.

 

Alcanzar el éxito demasiado pronto se ha vuelto uno de los problemas de mayor seriedad en el mercado de los videojuegos, especialmente en el de las consolas portátiles. Si el pico de crecimiento supera a su máximo planeado, la empresa a la que le suceda, pese a que se puede considerar el escenario idóneo, se enfrenta a la tarea titánica de poder satisfacer a sus consumidores de forma prolongada. Y el hecho de enfrentarse a un público que está a la caza constante de la próxima sensación, vuelve más difícil mantenerse vigentes.

Un claro ejemplo de ello es (o, si somos puntuales con los últimos dos años, fue) la franquicia de Angry Birds, que se ganó al mundo en 2009 con una sencilla pero adictiva idea: lanzar aves en contra de cerdos verdes con el fin de recuperar sus huevos robados. 

 

No se necesitó más. La cultura popular lo asimiló y lo catapultó. En poco tiempo la plataforma digital, irónicamente, le fue demasiado pequeña: llegando a incursionar en el mundo de la pantalla grande este 2016. Desde este 13 de Mayo, Angry Birds. La película ya se encuentra en las carteleras de nuestros cines a la expectativa de cómo tomará “la masa” este cambio de rumbo en su origen mismo.

Es reconocible como los directores, Clay Kaytis (Wreck it Ralph [2012], Tangled [2010]) y Fergal Reilly (Transylvania Hotel [2012], Cloudy with Chance of Meatballs [2009]), lograron convertir la inexistencia de una historia de estructura ramificada en una oportunidad de construir a estos personajes desde cero y de generar una trama con un nivel superior en profundidad que respetara a su referente.

 

Ante su experiencia en el ámbito de la dirección de arte, ambas personalidades también demostraron que Rovio Enterteinment está a la altura de los estudios que están a la vanguardia; desde el dinamismo de los personajes hasta la calidad de texturas (elementos en los que la animación, como hemos visto con anterioridad, ha desembocado su innovación con el fin de reproducir la realidad fielmente) no le pide demasiado a la competencia.

Sin embargo, la historia no termina de convencer al espectador. Aún cuando explota de manera aceptable lo poco que contiene de la aplicación original, se queda rezagada a un filme para niños. Incluso cuando algunas referencias para su antiguos fans de mayor edad se deslizan en el guión, se explora ligeramente el carácter de la ira en la psique de los personajes y se enfatiza la necesidad de pertenencia del individuo ante su condición de ser social, el filme es plano. Bello en su ejecución, hay que remarcar, pero difícilmente trascendente.

Aún así, no se pierdan la oportunidad de revisitar en la gran pantalla a estos personajes que nos significaron un momento de agradable ocio hace unos cuantos años, puesto que el entretenimiento continúa ahí, como cuando lanzabas la última ave que definiría si pasabas o no al siguiente nivel: intenso y efímero.

 
 

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Referencias:

  • http://www.wired.com/2015/09/angry-birds-movie-trailer/ 
  • https://www.angrybirds.com/movie/
  • http://www.rovio.com/ 
  • http://www.imdb.com/title/tt1985949/

ZOOTOPIA: OTRO FRAGMENTO DEL RENACIMIENTO DE DISNEY

Por AnimationFan

Por AnimationFan

4 min. de lectura

 

Contrario a lo esperado en los estrenos animados en México, Zootopia, el primer gran filme de Disney en 2016, ha llegado con dos semanas de antelación a nuestro país en contraste con la fecha anunciada para su estreno en E.U.A (04 de Marzo). Es cierto que este hecho debe obedecer a una estrategia mediática para cuantificar el impacto de la cinta en Latinoamérica, pero ¿hace cuanto que no podemos crear nuestro propio criterio de una cinta animada sin comprometer nuestro juicio con las críticas de las “grandes potencias”? 

Sin duda es una gran oportunidad que no debemos dejar pasar.

Como ya es costumbre, no planeamos dosificar spoilers a lo largo del presente artículo, pues además de significarles un escaso uso de su tiempo, el hacer una breve relatoría del clímax y el desenlace mermaría su interés en juzgar y, ¿por qué no?, disfrutar de la creativa interpretación de Jim Reardon (Wreck- it Ralph) y Josie Trinidad (Tangled) de una estructura narrativa tan usual hoy en día como lo es el “lucha por tu sueños”.

 

Sin embargo, dejando de lado la trama central, Zootopia es la primera cinta de Disney que nos presenta los beneficios de un nuevo software como “Keep Alive” en la animación: como su nombre lo indica, no sólo el elemento del personaje será el que nos revele la existencia de un ente vivo, sino que todo el fondo –desde la hoja más pequeña de un árbol hasta la sombra de un pelo – tendrá el movimiento idóneo para que la ilusión no desaparezca si se es demasiado susceptible a las fallas de este arte.

Y el contraste con un fondo estático no sólo se ve con la animación en 2D; si se observa con atención, filmes tan recientes como Tangled (2010) o Frozen (2013) tienen el mismo conflicto de un fondo con poco o nulo movimiento si este no interactúa directamente con una figura principal. Las características de profundidad y dimensión ante un giro de la cámara están presentes, son admirables, pero palidecían si no son acompañadas por un interlocutor como eje.

Bien menciona Matthias Lechner, director de la animación de escenarios, al respecto: “Siempre ha sido nuestra prioridad mantener estas mejoras invisibles. […] Nuestro trabajo siempre ha sido apoyar a la historia.” Remarcando que pocos serán consientes de este cambio, en realidad el espectador no necesita verlo para disfrutar el producto final, pero que sin duda harán a la cinta aún más cercana a lo real.

 

Ante ésto, la apreciación de la cinta en una sola exhibición no será suficiente si se busca abarcar a consciencia cada uno de sus aspectos, especialmente en las escenas de acción donde los escenarios y encuadres pasan demasiado rápido para poder dividir su atención entre trama, efectos y detalles.

Por su parte, al retomar uno de los tópicos icónicos de la empresa, es palpable que Disney quiso regresar a la animación de animales antropomórficos por la puerta grande. Tras 18 meses en los cuales los animadores pudieron estudiar la conducta animal de primera mano, el diseño de animales bípedos se destaca por un especial cuidado al incluir las respuestas mínimas al ambiente en la conducta de sus protagonistas.

Cada movimiento, incluso si el individuo se empeña en combatir su conducta natural, se mantiene como las propias respuestas involuntarias del ser humano: el instinto prevalece en respuestas como el miedo, la tristeza o el regocijo fortaleciendo, aún en una propuesta humanizada, la noción de ser animales reales.

 

Probablemente, Zootopia no se convierta en una fuente inagotable de ganancias –para empezar, pese a la participación de Shakira, no es un musical – pero ante el juego de fusionar nuestra cultura “pop” con la vida animal, esta cinta seguro que pasará a ser un referente ineludible en lo que concierne al Renacimiento de Disney al cumplir con:

1.     Una historia atemporal.

2.     Entretenido para todos los públicos.

3.     Gran humor y profundidad emocional.

Como último punto, y alejándonos de la animación en específico, es destacable que, al menos para versiones en hablas distintas al inglés, los actores de doblaje han comenzado a tener su reconocimiento dentro de los créditos originales; dejando atrás la insulsa mención hasta el final de los créditos a la cual tenían que conformarse. Por fin los nombres de actores de doblaje como René García (A.D de Ben Affleck), Romina Marroquín Payro (Anna en Frozen) o Humberto Zolórzano (A.D de Hugh Jackman) tendrán una mayor difusión al coupar el lugar que merecen.

Y a ustedes ¿qué les pareció Zootopia?

 
 

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También te puede interesar:


 

Referencias:

  • http://disneyexaminer.com/2016/01/20/disney-zootopia-will-have-something-that-no-other-disney-animated-has-had/
  • http://disneyexaminer.com/2015/12/01/like-nothing-weve-seen-be-fur-disney-zootopia-first-look/
  • http://geeknation.com/behind-the-scenes-of-zootopia-creating-the-films-breathtaking-animal-environments/
  • http://es.doblaje.wikia.com/wiki/Zootopia
  • http://www.imdb.com/title/tt2948356/fullcredits?ref_=tt_ql_1
  • http://www.boxofficemojo.com/movies/?page=main&id=disney2016.htm

NUEVO AÑO, NUEVAS EXPECTATIVAS (PARTE I)

Artinside - Nuevo Año, Nuevas Expectativas
Por AnimationFan

Por AnimationFan

3 min. de lectura

 

Aunque el 2016 aún no termina de consolidarse en su primer mes, los anuncios de los próximos proyectos animados ya presagian una avalancha de filmes que no nos dejarán separarnos del cine por mucho tiempo entre estrenos.

El auge de la animación en los últimos años les ha demostrado a los estudios cinematográficos que no está de más, a la par de las cintas que contemplan en los géneros de acción, comedia o terror –por mencionar los más representativos de la industria –elaborar un producto en esta área para valorar el impacto que les podría significar a futuro.

Por ello, sin más que agregar, te presentamos la primera parte de las películas de animación que llegarán este año para recordarnos que aún falta mucho por conocer de esta rama del arte:

 
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1. Norm of the North

Aunque su fuerte se ha demostrado en proyectos de menor formato como la serie animada de Garfield o algunos de los episodios de la sexta temporada de The Simpsons, en la primera quincena de enero Splash Enterteinment nos trae un filme de trasfondo ambientalista en el que su protagonista, un oso polar de nombre Norm, tras lograr convertirse en una mascota corporativa descubre que su empresa podría poner en peligro su hogar.

Tal vez el tráiler aún esté a medio camino de llamar la atención como sus competidores, pero no podemos dejar de darle el beneficio de la duda.

Fechas de estreno en E.U.A: 15 de enero de 2016

 

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2. Kung Fu Panda 3

Esperada desde las vacaciones de diciembre, la tercera entrega de esta icónica saga de DreamWorks fue retrasada hasta 2016, esto a causa del enfrentamiento que hubiera tenido con Star Wars: The Force Awakens en taquilla.

La cinta retoma el hilo argumental de la búsqueda de Po por su origen y cómo, en el camino, el guerrero dragón por fin deja de ser alumno para convertirse en maestro del Kung Fu y proteger a su recién hallada familia.

Fechas de estreno en E.U.A: 29 de enero de 2016

 

3. Zootopia

Tras una fuerte campaña publicitaria entre la que se destaca la participación de  la cantante Shakira y el tema “Try Everything”, en marzo Disney explorará (con la premisa que ya les hemos comentado en nuestro anterior artículo) el conflicto entre la razón y el instinto que promete hacernos cuestionar hasta donde nos reconstruimos a nosotros mismos para alcanzar nuestras metas.

Fechas de estreno en México: 18 de febrero de 2016

 

4. Angry Birds

Una franquicia como Angry Birds que progresivamente se ha ido “apagando” tras ser un faro a imitar en el campo de las aplicaciones de entretenimiento, ha planeado su regreso por la puerta grande: la adaptación cinematográfica llega a la gran pantalla en mayo, esperando que al profundizar a sus plumíferos personajes estos vuelvan a ser un referente actual e importante para el jugador ocasional.

La trama, sin separarse demasiado del original, girará entorno a Red, Chuck y Bomb como los pájaros inadaptados de la comunidad que tornarán en héroes para salvar los huevos robados de las manos de los cerdos verdes.

Fechas de estreno en México: 19 de mayo de 2016

 

5. Finding Dory

Varios años de espera parece que llegan a su fin en junio de 2016. Tras incontables retrasos a los que fue sometida la secuela de una favorita de los seguidores de Pixar, Finding Nemo, el origen de Dory por fin tiene una fecha de estreno establecida y tráiler como garantía.

Con el retorno de la voz de una estrella en auge como Ellen DeGeneres para dar vida a este pez cirujano, la cinta sigue los resabios de memoria que Dory logra hilar para encontrar a la familia que había olvidado.

Fechas de estreno en E.U.A: 17 de junio de 2016

 
 

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También te puede interesar:


 

Referencias:

  • http://www.comingsoon.net/
  • http://www.splashentertainment.com/home
  • http://www.normofthenorth.movie/
  • http://www.hollywoodreporter.com/news/kung-fu-panda-3-moves-756636
  • http://www.eluniversal.com.co/farandula/shakira-lanza-cancion-para-pelicula-de-disney-zootopia-215943
  • http://www.sonypictures.com.mx/Sony/HotSites/Mx/angrybirds/en/
  • http://deadline.com/2013/05/angry-birds-movie-sony-release-date-july-2016-500229/
  • http://variety.com/2015/film/news/d23-finding-dory-ed-oneill-ty-burrell-kaitlin-olson-1201570747

UN GRAN DINOSAURIO: UN TRIBUTO EN TODOS LOS SENTIDOS

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Por AnimationFan

Por AnimationFan

3 min. de lectura

La innovación nos ha nublado el criterio en los últimos años. Al priorizar tanto la novedad como el sobrevalorado concepto de lo “inédito”, poco nos cautiva y aún menos nos vale un reconocimiento; tal parece que nos ganamos “puntos a favor” como espectadores si hallamos fallos y los exponemos de la forma más peyorativa posible. Incluso el “clásico” ya no satisface en la pantalla grande y se ha refugiado en la reestructuración para subsistir al colectivo.

Ante esta evolución del público encuentro en Un Gran Dinosaurio, el último filme de Disney/Pixar estrenado el pasado 27 de noviembre, una apuesta sincera hacia la recuperación de tramas simples pero capaces de ser reflexivas a profundidad; en este caso en particular: un tributo hacia los filmes de pioneros en los que el viaje del protagonista –que para los estándares actuales puede parecer plano– conlleva la confrontación del “yo” a través de situaciones límite.

 

Arlo, el apatosaurio protagonista, logra superar al concepto del miedo que le impide realizarse como ser vivo con un viaje, auxiliado por un niño cavernícola, Spot, que funge como su ente guía cuando se obstaculiza el camino a si mismo. Una trama sin muchos giros, un mensaje conciso que no pasará desapercibido. En lo que respecta a la trama en general, pese a poder considerarse negativamente como una pausa en la vorágine de acción y emociones a la que nos tienen tan acostumbrados estas casas animadoras, no hay duda que ha priorizado lo auténtico, lo tradicional que con justa razón se volvió el punto de partida en la comparación.

En cambio, la actividad de la animación misma es un punto y aparte.

 

Enfatizar el trabajo de Peter Sohn (Finding Nemo, 2003) en la dirección del proyecto así como la colaboración de Meg LeFauve (Inside Out, 2015) y Bob Peterson (Toy Story 3, 2010) en el libreto, suena casi obligado, pues su talento es innegable y sus créditos nada despreciables, pero en esta ocasión encuentro de suma importancia remarcar la labor del departamento de fotografía encabezado por Sharon Calahan.

 

En un universo animado que se satura de entornos citadinos, o que en el caso de tocar ambientes naturales por defecto se los caracterice inhóspitos, en Un Gran Dinosaurio no sólo se le ha dado un tono poco visto desde el inicio de siglo –lo ordinario del paisaje campestre –sino que se nota un especial interés en darle al entorno vida propia. La naturaleza, elemento que sin duda es fundamental en la historia de Arlo y Spot, tiene su propio ritmo: en las tomas aéreas cada árbol tiene una acción particular que realza la independencia y el realismo de la vegetación; y en los encuadres panorámicos la constante alteración de las nubes refleja los sutiles cambios climáticos.

 

"Queríamos hacer creer que si Arlo caía y se golpeaba las rodillas, dolería […] Que el agua se sintiera fría. Que uno mismo pudiera respirar el aire y sentir el viento."

 

Quizás el contraste tan fuerte que hace el entorno casi realista con lo caricaturesco de los personajes, si queremos ser muy meticulosos, roce con peligrosidad la ruptura de lo verosímil a la vista; pero considero que esta cinta mantiene el equilibrio ideal entre ambos, incluso produciendo lo contrario: dándole mayor realismo al personaje a pesar de su estructura deformada.

Un Gran Dinosaurio es un filme que no sólo atrae a los más jóvenes por su comedia de situación sino que también provocará en más de un adulto cierta nostalgia hacia las raíces del cine donde la belleza y el mensaje no se esconde: están, sin pretensiones, ante nuestros ojos.

 
 

Un Gran Dinosaurio (2015)

93 min.

Director: Peter Sohn

 
 

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